Wolfgang Ullrich – Zur Warenästhetik der Kunst: Vieldeutigkeit, Partizipation, Serialität

Werke, Objekte, Produkte, Waren – Die Begrifflichkeiten für die Dinge, die auf dem Kunstmarkt gehandelt werden, sind vielfältig. Lena von Geyso und Franziska Meier überprüfen im Gespräch mit Kunsthistoriker Wolfgang Ullrich die Anwendbarkeit der drei Begriffe – Vieldeutigkeit, Partizipation und Serialität. Anhand von Dingen werden ihr Kontext, die dahinterstehenden Künstler*innen bzw. Personen und ihre Einordnung auf dem Kunstmarkt diskutiert.

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„Ich glaube, die Krise der Kunstvereine wurde alle vier oder fünf Jahre ausgerufen, so wie die Wiederkehr der Malerei gefeiert wurde“

– Wulf Herzogenrath ím Gespräch mit Lena von Geyso, 3. November 2020

Seit den 1960er Jahren hat das Berufsfeld des/der Kurator*in zunehmend an Beliebtheit gewonnen. Kaum beleuchtet ist in diesem Zusammenhang die Rolle der Direktor*innen in den Kunstvereinen, die besonders ab den 1960er und 1970er Jahren Bewegung in die Kunstlandschaft der Bundesrepublik brachten, während viele Museen noch damit beschäftigt waren, sich von den Kriegswirren zu erholen, bzw. den Aufbruch der zeitgenössischen Kunst verpasst hatten. Diese Ausstellungsmacher*innen entwickelten zahlreiche der neuen Formate, die bis heute die Ausstellungspraxis prägen. Hierzu gehört Wulf Herzogenrath, Kunstvereinsleiter des Kölnischen Kunstvereins von 1973–1989 und Mitbegründer der „Arbeitsgemeinschaft deutscher Kunstvereine“ (ADKV).

Mit Wulf Herzogenrath, sprach ich über seine Zeit am Kölnischen Kunstverein und das Verhältnis zwischen Kunstverein und Kunstmarkt.

Kunsthalle Bremen – Ausstellung „Monet und Camille – Frauenportraits im Impressionismus“ vom 15. Oktober 2005 – 26. Februar 2006. Kunsthallen-Direktor Prof. Dr. Wulf Herzogenrath. Foto: Ingo Wagner

Nach einem Studium der Kunstgeschichte, Archäologie und Volkskunde und einer Promotion zu Wandbildern Oskar Schlemmers (1970) erarbeitete Herzogenrath 1967/68 für den Württembergischen Kunstverein in Stuttgart den Katalog „50 jahre bauhaus“ und begleitete die Ausstellungstournee durch acht verschiedene Länder. 1971 wurde er Leiter des Kunstrings am Museum Folkwang in Essen und trat 1973 die Direktion des Kölnischen Kunstvereins an, den er 17 Jahre leitete. 1977 betreute er für die documenta 6 den Bereich Videokunst und war 1987 Teil des Leitungsteams der documenta 8. 1980 war er Mitbegründer der „Arbeitsgemeinschaft Deutscher Kunstvereine“ (ADKV), deren Vorsitz er bis 1988 innehatte. Ab 1989 wurde Herzogenrath Hauptkustos der Neuen Nationalgalerie, um den Aufbau des Museums Hamburger Bahnhof zu betreuen und von 1994 bis 2011 Direktor der Kunsthalle Bremen. Seit 2007 ist er Mitglied der Akademie der Künste Berlin. Herzogenrath ist Initiator zahlreicher Ausstellungen und Projekte, u. a.  Einzelausstellungen von Nam June Paik (1976), Rebecca Horn (1977), Isa Genzken (1982), Ulay und Marina Abramović (1985), John Cage (1983) und Gruppenausstellungen wie „40jahrevideokunst.de“ (2006), „Schwindel der Wirklichkeit – Partizipation, Video Closed Circuits – wie kommt der Betrachter ins Bild“ (2015). Er ist Mitglied zahlreicher Kuratorien und Herausgeber von Publikationen, u. a.  „50 jahre bauhaus (Stuttgart 1968), „Die 60er Jahre. Kölns Weg zur Kunstmetropole. Vom Happening zum Kunstmarkt“ (Köln 1986), „Video-Skulptur in Deutschland seit 1963“ (Stuttgart 1994). Herzogenrath ist Preisträger der Bremer Medaille für Kunst und Wissenschaft (2011). Er lebt und arbeitet in Berlin und Köln.


Januar 1973 wurden Sie Leiter des Kölnischen Kunstvereins.
Wie würden Sie den Kunstverein zum Zeitpunkt Ihres Amtsantritts zu den anderen Kunstvereinen verorten?

WH: Das ist eines der wichtigsten Dinge, die man im Laufe des Lebens merkt: Die Rezeption, die Wahrnehmung in der Zeit und die Wahrnehmung hinterher sind etwas völlig anderes. Was sich heute keiner mehr vorstellen kann: Köln war in den 60er Jahren keine Künstlerstadt. Der „Kölner Kunstmarkt“, offiziell ja schon 1967 gegründet, hatte, als ich Ende 1972 berufen wurde, noch eine Exotenrolle und wurde in der Stadt nicht wahrgenommen und die Kölner Werkschule war, vorsichtig ausgedrückt, ein Inzuchtverein. Da wurde man Schüler und Assistent und dann durfte man Professor werden. Das, was als Herausforderung fehlte, war die Akademie. Das war aber gleichzeitig auch positiv, weil es dadurch keine Hierarchie in der Stadt gab. Düsseldorf war viel reicher, viel interessanter, aber auch bestimmender. In Köln herrschte eine offene Situation: Auch das Wallraf-Museum öffnete sich durch Wolfgang Hahn und Peter Ludwig. Und ich darf ruhig sagen, der Kunstverein hat sicher auch mitgeholfen, die Situation zu beleben, weil wir eine Mischung aus 20er Jahre Aufarbeitung der eigenen Geschichte, also Dada Köln und Kölner Progressive machten, was für das Publikum attraktiv war. Das hatte das Museum übersehen. Es gab damals keine Kölner Dada-Publikationen im alten Wallraf-Richartz-Museum.

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Kunst, Kommerz und nackte Nymphen II: Nymphs in Business

Reproduktion von Hylas and the Nymphs, in: R. Hope Moncrieff: Classic Myth and Legend. London 1912, S. 154.

1895 veröffentlicht der schottische Autor Robert Hope Moncrieff (1846-1927) unter dem Titel Classic Myth and Legend eine Sammlung von Nacherzählungen antiker Mythen, die sich an ein junges Publikum wendet. Wie bereits der Untertitel der Publikation – With Illustrations in Colour and in Monochrome from Famous Paintings and Statuary – verrät, enthält das Buch auch Abbildungen bekannter Kunstwerke. Eine spätere Ausgabe aus dem Jahr 1912 wartet sogar mit zwei Farbreproduktionen von Waterhouse-Gemälden auf: Hylas and the Nymphs und Echo and Narcissus. Dabei fällt an der Reproduktion auf, wie stark sie den Eindruck der Farben gegenüber dem Gemälde verändert. Dies ist besonders beim Inkarnat der Nymphen und den Grüntönen der Vegetation und des Wassers zu bemerken. Gegenüber dem Ölgemälde wirkt die Hautfarbe der Nymphen wärmer, die Landschaftsdarstellung erscheint grüner und weniger dunkel. Zahlreiche typische Merkmale der Malweise Waterhouses – etwa die oft sehr dünnflüssig aufgetragene Farbe, die Leinwand und frühere Stadien der Komposition noch erkennbar lässt, fallen in der Reproduktion weg. Durch die Veränderung der Farben wirkt die Darstellung insgesamt weniger plastisch und bekommt so viel eher den Charakter einer Illustration. Andererseits wird die Reproduktion dem Text auch gleichwertig gegenüber gestellt, indem sie eine ganze Seite einnimmt, wie die Abbildung zeigt. Dadurch macht das Layout des Buches deutlich, dass die Reproduktion auch als eine inhaltliche Ergänzung des Textes anzusehen ist.

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Notizen zur russischen Musikwirtschaft vor und nach 1989/90/91 – Dorothea Redepenning

Bei unseren Aufnahmen mit Dorothea Redepenning hat sie eine spannende Zusammenfassung über die Organisation von Künstler*innen und vor allem Musiker*innen, Komponist*innen, Interpret*innen und allen an der Musik Beteiligten und den Wandel in der Musikwirtschaft im Übergang von der Sowjetunion zur Gemeinschaft unabhängiger Staaten gegeben. Ausgangspunkt dieser Einordnung war die Frage: Wie schätzen Sie die ökonomischen Auswirkungen auf die osteuropäische Musik beim Übergang von der sowjetischen zur postsowjetischen Zeit ein?

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Kunst, Kommerz und nackte Nymphen I: Kein Zufallserfolg

Hylas and the Nymphs, 1896. Öl auf Leinwand, 98.2 x 163.3 cm, Manchester Art Gallery.
Image courtesy of Manchester Art Gallery.

Im Jahr 1897 zeigt der britische Maler John William Waterhouse (1849-1917) das Gemälde Hylas and the Nymphs in der Royal Academy of Arts in London. Die Kunstkritik ist begeistert: „Mr. Waterhouse has surpassed himself in his exquisite picture“[i] schreibt das Magazine of Art, „a remarkable and delightful work“[ii] lässt The Scotsman verlauten, „unquestionably the best“[iii] urteilt The Manchester Guardian. Bereits ein Jahr zuvor hatte die Manchester Art Gallery das Gemälde gekauft, praktisch von der Staffelei weg. Der Erfolg von Hylas and the Nymphs war jedoch kein Produkt des Zufalls, sondern auch das Ergebnis kluger PR-Maßnahmen und geschickten Marketings.

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„Ohne Kunst und Kultur wird’s still“ – #04

Ein Gespräch mit Sarah Thöle und Felix Grädler über die Clubkultur, die Veranstaltungsbranche und die Corona-Folgen

Unbesetzte Stuhlreihen, leere Bühne – So sieht es auch in der halle02 derzeit oft aus. Doch die Not macht erfinderisch und Vernetzung hilft, das zeigen Sarah und Felix. In den Räumlichkeiten finden meist große Konzert- und Clubveranstaltungen statt, aber auch Kongresse und Vortragsevents sind nicht selten zu Gast – Ein großer Raum voller Möglichkeiten, der unterhalten werden muss.

Wie Privatwirtschaft und staatliche Förderungen ineinandergreifen – darüber diskutirern Sarah Thöle, Medienkünstlerin, und Felix Grädler, Geschäftsführer halle02, mit Dr. Ellen Koban, Stabsstelle Kultur- und Kreativwirtschaft der Stadt Heidelberg. Sie klären, wie sich der Ort halle02 finanziert, welche Geschäftsmodelle dahinterstehen, wie sich Künstler*innen in der Zeit der geringen Auftrittsmöglichkeiten beschäftigen und welche neuen Wege sich eröffnen.

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„Ohne Kunst und Kultur wird’s still“ – #03

Ein Gespräch mit Shiva Hamid über Orte, Wissen und Werte von Kreativschaffenden und die Corona-Folgen

Ein regnerischer Tag, doch vor der mit Gittern verhangenen Außenbar stehen ein kleiner Tisch und zwei Stühle unter einem Schirm. Der Garten der breidenbach studios in der Hebelstraße hat 2020 eine wunderschöne neue Holzterasse bekommen, die bisher nur wenige zu Gesicht bekamen. Normalerweise ein lebendiger Ort, der nicht nur Künstler*innen und Musiker*innen offen steht, sondern seine Tore für Interessierte öffnet und über Werkschaupartys und Ausstellungen, aber auch andere kreative Events zeigt, was die Kreativen so zu bieten haben.

Im Gespräch mit Shiva Hamid, Gründerin und Geschäftsführerin Breidenbach, diskutiert Dr. Ellen Koban, Stabsstelle Kultur- und Kreativwirtschaft der Stadt Heidelberg, welchen Einfluss Orte auf Entfaltungsmöglichkeiten von Kunst und Kultur haben, wie Orte Netzwerke formen und wie sich Wissen durch diese Netzwerke bewegt. Besonders wichtig, um mit Kunst und Kultur den Lebensunterhalt zu verdienen: zu wissen, welche Alleinstellungsmerkmale man hat und wie und wo man sie kommuniziert.

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„Ohne Kunst und Kultur wird’s still“ – #02

Ein Gespräch mit Julia Benz über ihre Kunst, die Logik des Kunstmarkts und die Corona-Folgen

Als Atelier nutzt die junge freie Künstlerin seit Sommer 2020 die Räume der breidenbach studios – hell ist es und überall stehen Farben, Rahmen, bunte Bilder. Ein Hund läuft umher und schaut sich die Szenerie mehr oder minder interessiert an – entscheidet sich letzendlich jedoch für den Garten und geht. Ruhig ist es in Julias Atelier, das sie auch als ihr Wohnzimmer bezeichnet – so wohl fühlt sie sich hier, aber so privat ist es gleichermaßen. Im Normalfall würden hier ein- bis zweimal monatlich Werkschaufeiern oder Ausstellungen stattfinden – im letzen Jahr blieben die Künstler*innen dort nahezu allein.

Im Gespräch mit Dr. Ellen Koban, Stabsstelle Kultur- und Kreativwirtschaft der Stadt Heidelberg erklärt Julia Benz, freie Künstlerin, wie es ihr gelungen ist, sich am Kunstmarkt zu platzieren, wie viel Glück dabei mitspielt und welche Rolle die Sichtbarkeit von Künstler*innen spielt -im Spannungsfeld von Galerie und Instagram, zwischen etablieren „Rahmungen“ und Street Art.

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„Ohne Kunst und Kultur wird’s still“ – #01

Ein Gespräch mit Ursula Schöndeling über die Freiheit und das Kapital, den Kunstverein und die Corona-Folgen

Ein ungewöhnlicher Anblick: Der große, licht durchflutete Raum in der Heidelberger Altstadt, in dem der Heidelberger Kunstverein untergebracht ist, ist völlig leer. Für gewöhnlich begegnen an diesem Ort Menschen der Kunst und anderen Menschen – eine räumlich, sinnliche Erfahrung, die für die Kunst genauso wichtig ist, wie die Möglichkeit sich zu zeigen.

Wie der Kunstverein Ausstellungen gestaltet, welchen Stellenwert zeitgenössische Kunst hat und welche Unterstützungsmöglichkeiten für Kunstschaffende bestehen, darauf geht Ursula Schöndeling, Direktorin des Heidelberger Kunstvereins, im Gespräch mit Dr. Ellen Koban, Stabsstelle Kultur- und Kreativwirtschaft der Stadt Heidelberg, ein. Gemeinsam beleuchten sie, wie Raum an sich wirkt und welche „Plattformen“ neben dem Ausstellungsraum – Kunstverein, Galerien, Social Media – Künstlerinnen und Künstlern zur Verfügung steht.

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